При упоминании имени Даррена Аронофски у любого зрителя в голове сразу же возникает чёткая картинка. Это может быть и финальная сцена из «Реквиема по мечте» (2000), и танец Нины в конце «Чёрного лебедя» (2010), и горящий дом из «Мамы!» (2017). За свою карьеру 54-летний режиссёр уже снял восемь полнометражных фильмов, подарив кинематографу термин «хип-хоп монтаж» и возродив карьеры нескольких актёров, включая Микки Рурка и Брендана Фрейзера. Постановщик нашёл свой уникальный почерк ещё во время работы над короткометражными картинами, а его догмы из полнометражного дебюта «Пи» (1998) проходят белой нитью через всю фильмографию артиста.
Так кто же такой Даррен Аронофски и как он стал одним из главных авторов 21 века? Esquire Kazakhstan рассказывает в данном разборе.
Стиль
Начнём разговор с самой заметной черты режиссёра — оригинального подхода к съёмке фильмов. Его первые две картины — «Пи» и «Реквием по мечте» запомнились зрителям постоянными монтажными склейками, создающими ощущение музыкального ритма. Неспроста позже сам постановщик назвал данный подход «хип-хоп монтажом». Так, в «Реквиеме по мечте» можно насчитать более 2000 склеек. Стоит отметить, что в последующих фильмах Аронофски все меньше обращался к данному приёму. Связано это, скорее всего, с увеличившимся бюджетом и желанием автора сосредоточиться на истории, отодвинув стиль на второй план.
Аронофски фокусируется почти во всех своих фильмах на обсессии человека вокруг определённого объекта, будь то желание танцевать на сцене, служить Богу или же наладить отношения с членом семьи. Для большего погружения зрителей в мир персонажа и их цели режиссёр использует субъективную съёмку, где большинство сцен снято с перспективы главного героя. Поэтому постановщик нередко направляет камеру на актёра, чтобы кадр строился только вокруг его лица, растворяя весь бэкграунд. Так, в фильме «Мать!» большинство выбранных ракурсов — это клоус-апы Дженнифер Лоуренс или же средние планы из-за спины девушки. Поэтому зрители картины либо наблюдают за реакцией актрисы на происходящий сюр, либо видят то же самое, что и сама героиня.
Постановщик часто снимает фильмы об одержимости. Поэтому не удивительно, что Аронофски в этих картинах даёт зрителям физическое воплощение фиксации о которой он рассказывает. К примеру, в «Пи» мы всё время видим цифры, а в «Ките» (2022) большинство сцен с Чарли сопровождаются поеданием нездорового количества пищи. В «Чёрном лебеде» героиня Натали Портман озабочена своим внешним видом, а также дуальностью собственного образа. Как итог, режиссёр соединяет две черты характера через зеркала, которых в картине представлено с избытком. Естественно, этот самый объект обсессии часто становится причиной смерти главного героя. Тут снова же можно вспомнить Нину с осколком зеркала и Чарли с ожирением.
Смерть
Нередко фильмы Аронофски заканчиваются символической смертью главного героя. Это случилось и с Рэнди в «Рестлере» (2008), и с Чарли в «Ките», и всё той же Ниной в «Чёрном лебеде». Во всех случаях мы наблюдаем, как главный герой достигает своей цели, будь то последний триумф на ринге, исполнение сложнейшей балетной партии или же примирение с дочерью. Часто после этого экран заполняет белый свет, который можно расценивать в качестве некого подобия Рая. Однако почему же фильмы Аронофски заканчиваются таким образом?
Ответ на данный вопрос можно найти в дебютной работе режиссёра — «Пи», где протагонист несколько раз рассказывает историю своего детства: «Когда я был маленьким, мама говорила мне не смотреть на Солнце, и однажды, когда мне было шесть лет, я взглянул. Сначала яркость была ошеломляющей, но я видел это раньше. Я продолжал смотреть, заставляя себя не моргать, а затем яркость начала растворяться. Мои зрачки сузились до крошечных дырочек, все стало чётко, и на мгновение я понял.» В другой сцене мы слышим похожую историю, но с другим концом: «Когда я был маленьким, мама говорила мне не смотреть на Солнце, и однажды, когда мне было шесть лет, я взглянул. Врачи не знали, заживут ли когда-нибудь мои глаза. Я был в ужасе, находясь один в этой темноте. Медленно дневной свет пробирался сквозь бинты, и я снова научился видеть, но что-то изменилось внутри меня. В тот день у меня впервые заболела голова».
Из двух воспоминаний одного события можно понять, что главный герой Максимилиан захотел рассмотреть Солнце и в момент, когда ему это удалось, свет попросту сжёг его зрачки, лишив его возможности видеть. Проводя параллели с другими фильмами Аронофски, можно сказать, что Солнце — это та самая цель, поставленная каждым из его протагонистов. Достигая её, они буквально видят истинный облик Солнца, где всё становится чётким и понятным. Однако после этого им приходится расплачиваться за такую возможность. Ведь достигнув цели, человек (или, во всяком случае, та версия человека) умирает. В эти моменты его персонажи обычно смотрят напрямую на объект своих желаний. Так, Нина лежит на сцене, пока её взгляд направлен на софиты, а Чарли подходит к своей дочери.
Религия и природа
Другая примечательная тема в работах Аронофски — это религия. Заметной она становится уже в «Фонтане» 2006 года, однако режиссёр раскрывает её полностью в «Ное» (2014) и «Маме!». В этих двух произведениях автор не просто пересказывает библейские истории, но и критикует людские грехи. Так, «Ной» в том числе рассказывает об идеологическом противостоянии верующего с грешниками. В то же время «Мама!» — это двухчасовая аллегория на Библию, где персонаж Дженнифер Лоуренс воплощает роль матери природы, а Хавьер Бардем предстаёт в образе Бога. В течение фильма перед нами разыгрываются главные религиозные сюжеты, включая историю создания Адама и Евы, их последующего изгнания и, конечно же, первого братоубийства.
Финал «Мамы!» яро критикует человечество, буквально пожирающего плоть и кровь Иисуса, а после доводящего природу до уничтожения дома, олицетворяющего Землю. Как итог, обе картины рассказывают о грехопадении людей и их последующей расплате. Аронофски возвращается к теме природы и в своих продюсерских проектах. Тут можно вспомнить документальную картину «Территория» (2022) — фильм о племени, проживающем в реках Амазонки. В нём мы узнаём, что в 1980-х годах поселение было обнаружено властями Бразилии и, как итог, за 40 лет количество людей, проживающих на данной территории уменьшилось в несколько раз, а леса Амазонки начали активно вырубаться правительством страны. В одном из интервью жители данной местности сравнивают леса с лёгкими Земли и говорят о возможном уничтожении планеты, если вырубка не прекратится. Слушая данные рассуждения у зрителя невольно рисуется параллель с сюжетом вышеупомянутого фильма «Мать!».
Автор: Oraz Kereibayev
